Nacido en Baltimore (Maryland, Estados Unidos) en 1937, los primeros contactos de Philip Glass con la música surgieron desde una edad muy temprana: su padre era propietario de una tienda de discos en la que recibió las influencias de clásicos como Beethoven, Shostakóvich y Bartók, y a los siete años comenzó a estudiar piano y flauta.

Vivió la escena jazzística de Chicago, estudió composición en Nueva York y, descontento con la modernidad musical que encontraba a su alrededor, a principios de la década de los sesenta del pasado siglo se mudó a París, para estudiar con Nadia Boulanger en el Conservatorio Americano de Fontainebleau. Allí conoció el canon centroeuropeo y la Escuela de Darmstadt, que rápidamente trascendió a través, en buena medida, de su trabajo en estrecha colaboración con el compositor y virtuoso del sitar Ravi Shankar.

“Philip Glass ha abarcado diferentes tradiciones culturales de todo el mundo, forjando un estilo único y personal y siguiendo su propio camino con valor y convicción”.

“una figura internacional que atrae a un público de todas las generaciones y cuyas obras se interpretan en los auditorios más importantes y por las principales formaciones orquestales de todo el mundo”.

Su experiencia con la música oriental, que completaría a través de un viaje al norte de la India en 1966, influiría de modo decisivo en su estilo. Tras sus viajes por Europa y Asia, en 1967 regresó a Nueva York y creó su propio conjunto: el Philip Glass Ensemble, una formación compuesta por sintetizadores, teclados y vientos-metales amplificados, con la que llevaría a la práctica una nueva aproximación a la creación musical que acabó siendo denominada “minimalismo”. Aunque él ahora manifieste no sentirse a gusto con esa etiqueta, Glass fue uno de sus creadores y máximos exponentes.

“Para crear la música que quería componer necesitaba encontrar un lenguaje diferente. El gran esfuerzo que hice entre mis veinte y mis treinta años me permitió lograr algunos hitos importantes en algunas piezas. Era un lenguaje basado en primer lugar en la música contemporánea tal y como yo la entendía, pero también en mi manera particular de aplicar ese lenguaje. También me interesaban mucho el teatro y la danza. Lo que yo buscaba era un lenguaje musical que estableciera una relación entre el movimiento, el sonido y la imagen”

La música, finalmente, marca la culminación del periodo más radicalmente minimalista y repetitivo de Philip Glass. Inspirado en su descubrimiento de la música india en los años 60, con Ravi Shankar y Alla Rakha, pero también en su amor por el rock, el jazz y los procesos claros e identificables, oscila entre la monotonía y la sorpresa, llevando al oyente a un éxtasis hipnótico de varias horas. Las únicas letras son números o notas en fórmulas encantadoras con ritmos inquietantes. Pasando de temas largos y elevados a clímax estruendosos y juguetones, el espectáculo desemboca en una explosión nuclear final, que termina con el rayo de esperanza de un simple texto de amor entre un hombre y una mujer, escrito por Samuel M Johnson.

El miedo ligado a la Guerra Fría y esta respuesta de paz y amor, tan marcada por la herencia del flower power, temas propios de los años setenta, siguen hablando de nuestro tiempo, agitado por nuevas ansiedades en medio de una crisis ecológica, entre el miedo al calentamiento global, la subida de las aguas y el colapso económico. La música tampoco ha perdido su actualidad y responde a una necesidad imperiosa actual de dejarse llevar. Así, Einstein on the Beach  está demostrando que puede vivir por sí misma.

El tema Opening, es una delicada composición para piano que se va repitiendo con las mínimas variaciones. El patrón al piano tiene un emocionante efecto envolvente. Su carácter evocador fue utilizado por el director Jim McBride en su película Breathless (Sin aliento, 1983), un remake de A bout de soufle de Godard, para definir el personaje de Valérie Kaprisky.

Prolongando la última nota de Opening comienza Floe con el corno en la que el Philip Glass Ensemble se emplea a fondo desplegando una estridencia repetitiva que termina imponiendo un ritmo contagioso. La pieza va ganando consistencia hasta que de pronto se detiene, volviendo a las notas del inicio, para volver a retomar con fuerza el leitmotiv.

Fedor Teunisse del Slagwerk Den Haag (Grupo de Percusión de La Haya) realizó un encargo a Anthony Fiumara para que arreglara y  reuniera los primeros trabajos de Philip Glass creando una nueva composición. Percusiones del CSMA presenta en primicia el estreno en España de Vitreous Body para la XVIII edición de sus sesiones y conciertos para jóvenes  «la música que no es música hasta que no se escucha».

A el compositor Anthony Fiumara le encantan los patrones rítmicos, las líneas largas y la modalidad de la música antigua de  Philip Glass pero sin embargo su nueva creación le llevó en una dirección muy diferente. Fiumura realiza en este trabajo una reflexión de su propio lenguaje creativo, estructurando la obra obra en seis partes. En Petals y Remix utiliza música renacentista utilizando sonidos e instrumentos actuales. La lentitud de Choral y North Star (título tomado de Glass) da vueltas a tonos que aparecen en de diferentes modos o constelaciones. En Cuerpo roto y vítreo las melodías van rodando como ovillos de lana que caen. Sin embargo mientras en Broken aparece una forma de línea vocal fracturada, Vitreous Body presenta ocho voces que se mueven lentamente pero seguras hacia abajo.

El trabajo reciente de Anthony Fiumara se caracteriza por un estilo dinámico. Velocidad, energía, capas y contrastes claros son testifgos de su obra orquestal As I Opened Fire (2014), el movimiento de apertura de su cuarteto de cuerdas Dreamed in the Cities at Night (2014) o los apresurados «interludios» del requiem de Fiumura Memorial park (2017).

Un pilar importante de sus trabajos (y también el más llamativo) es la naturaleza repetitiva de sus trabajos. Fiumura parece utilizar cada vez más la repetición como un medio para configurar una superficie de sonido. Fiumura prefiere decir «lienzo», mientras que la forma más grande está respaldada por contrastes, collages o tal vez el modelo de una canción de rock.

La esencia de su trabajo, en toda su sencillez puede tomarse al pie de la letra a través de la experiencia física del sonido mismo, o como dice Fiumura «la piel del sonido».

Formado en la Universidad de Utrecht, trabaja como compositor a tiempo completo, aunque también posee una exitosa carrera como periodista musical, productor de programas de radio o conferenciante. Ha escrito para Musik Fabrik, Trio Medieval o Sentieri Selvaggi. Es profesor de composición en la Academia de Música y Artes Escénicas (AMPA) en Tiburg donde fue compositor residente 2019-2020.