Gerard Grisey es uno de los pioneros y representantes más emblemáticos de espectralismo musical, un movimiento nacido a finales de los años 1960 que se presentó como alternativa y refutación del serialismo integral. Las premisas de este movimiento, centradas en el análisis y síntesis sonora de acuerdo con principios acústicos y psicoacústicos, se desarrolló en paralelo en dos líneas: la composición electrónica y la composición para instrumentos convencionales.

Una de las premisas fundamentales del espectralismo es su interés en el sonido como materia prima de la composición. Este interés por el sonido suele conllevar la síntesis de sonidos complejos a partir de la suma de sonidos más simples, como pueden ser los producidos por los instrumentos musicales aislados. Las herramientas más importantes desarrolladas a tal efecto son el análisis espectral de los sonidos y la síntesis basada en los resultados proporcionados por dichos análisis. El análisis espectral se realiza utilizando herramientas informáticas que permitan determinar las frecuencias e intensidades relativas de los tonos puros que conforman un sonido complejo estacionario, como es el de una nota mantenida por un instrumento musical.

Grisey demostró un enorme interés y talento por la composición y el estudio musical, publicando su primer ensayo a la edad de 9 años. Estudió en el Conservatorio de Trossingen en Alemania (1963-65), y luego en el Conservatorio de París (1965-72) donde seguirá especialmente los cursos de composición de Olivier Messiaen (1968-72).  Galardonado con el Premio de Roma, fue becario en la Villa Médicis en Roma, de 1972 à 1974, participa en la fundación del Ensemble l’Itinéraire; en 1980 será miembro residente del IRCAM, y luego será miembro invitado de la «Deutscher Akademischer Austauschdienst» en Berlín.

Gérard Grisey impartió numerosos seminarios de composición musical en Darmstadt, en Friburgo, en el IRCAM, en la Scuola Civica de Milán así como en varias universidades americanas. De 1982 a 1986, enseñó en la Universidad de Berkeley de California. Fue profesor de composición del Conservatorio Nacional de París desde 1986 hasta el 11 de noviembre de 1998, cuando murió a causa de un aneurisma.

“(…) ¿Cómo puede emerger el mito de la duración, una organización celular de un flujo que obedece a otras leyes? ¿Cómo esbozar con convicción y al borde del silencio una inscripción rítmica que al principio es indistinguible y luego finalmente se martilla en una forma arcaica? Mientras componía, me vino a la mente una imagen: la de arqueólogos descubriendo una estela y limpiándola hasta que desenterraron una inscripción funeraria (…)”

Estrenada en 1990, Tempus ex Machina explora la percepción del tiempo y del sonido mediante técnicas compositivas de enfoque espectral focalizadas en los timbres y las texturas sonoras. Por medio de la elección de las alturas de los instrumentos (de piel, madera y metal) y las dinámicas, el compositor crea un paisaje sonoro en el que el tiempo parece dilatarse y contraerse. Esta obra cuenta con una estructura no lineal, donde los ritmos y las sonoridades se entrelazan en un diálogo constante. Los micrófonos, utilizados para la captación y amplificación del sonido, contribuyen a la creación 

Johanna Beyer estudió en el Mannes College de Música de EEUU, graduándose en 1928. Beyer se relacionaría con numerosos compositores norteamericanos, como John Cage o Henry Cowell convirtiéndose en su secretaria personal de facto desde 1936 a 1941. En 1940 Johanna Beyer abandonó la composición y su colaboración y relación con Cowell al padecer una  esclerosis lateral amiotrófica, muriendo en Nueva York  en 1944.

La obra musical de Johanna Beyer fue ignorada en vida y fue de hecho más conocida como intérprete que como compositora. Beyer especialmente destaca por sus obras para grupo de percusión que incluyen la Suite para percusión de (1933), Marcha para treinta instrumentos de percusión (1939) o sus populares 3 movimientos para percusión (1939).

Music of the Spheres se presenta en un manuscrito original con dos portadas y dos subtítulos diferentes. Uno con el subtítulo de “para tres instrumentos eléctricos o de cuerda” y   otro que indica “movimiento para tres instrumentos eléctricos”. La obra originalmente fue escrita como apertura del cuarto acto de una futura composición operística llamada Status Quo, fue rechazada finalmente por el Guggenheim. Muy probablemente Music of the Spheres es una de las primeras piezas de música electrónica escrita por una mujer. En la actualidad se desconoce el significado y la referencia precisa a los que hace referencia la pieza como instrumentos eléctricos. Podría hacer referencia al instrumento eléctrico Theremin, que fue presentado en alguna ocasión en The New School for Social Research en febrero de 1931 o las Ondas Martenot, pero no podemos saberlo con exactitud.

Los movimientos de las manos de León Theremin (Theremin, 2008), tranquilos y artísticos, no son necesariamente teatrales, sin embargo producen espectacularidad por fascinación. Se produce un magnetismo que es proporcionado por la correspondencia entre el movimiento de las manos, por pequeño que sea, y las variaciones sonoras.

Schnebel fue un compositor, musicólogo y teólogo evangélico alemán. Cursó estudios de teología evangélica, filosofía y musicología en la Universidad de Tübingen después de estudiar en la Hochschule für Musik Freiburg (1949–1952) y de mantener un estrecho contacto con los cursos de verano de Darmstadt. 

Schnebel fue profesor de Música Experimental y Musicología en la Hochschule der Künste de Berlín desde 1976 hasta 1995. Entre sus alumnos se encontraban, entre otros, Chaya Czernowin y Michael Wertmüller. Desde 1991 fue miembro de la Academia de las Artes de Berlín y recibió el mismo año el Premio de Arte de Lahr. Desde 1996, Schnebel fue miembro de la Academia Bávara de Bellas Artes. En 1999, fue galardonado con el Premio de Música Sacra Europea. Su labor como teólogo continuó a través de predicaciones en la iglesia Johann-Sebastian-Bach en Berlín.

En los años 50, comenzó a experimentar con técnicas seriales. Su interacción con John Cage lo que realmente lo llevó a explorar nuevas posibilidades en la composición, especialmente con la voz, el texto y la escena. Como uno de los primeros representantes de la llamada vanguardia de los años sesenta y setenta, escribió también piezas expresamente concebidas para ser interpretadas por músicos aficionados y, especialmente, por escolares. Además, presentaba regularmente sus otras obras en colegios para complementar las clases de música y dar a los alumnos interesados una visión de la música culta contemporánea. Sus obras juega con el espacio y la improvisación  lo que refleja su compromiso con la educación musical y su deseo de acercar la música contemporánea a los estudiantes. 

La pieza «Poema para cuatro cabezas» es una escena de la obra «Lenguaje de gestos» (1987/89), una colección de diversas escenas que Schnebel agrupa bajo el subtítulo «Música para gestos y voz». Cada una de estas escenas tiene un tema específico que puede asociarse con diferentes imágenes y sonidos. Schnebel se centra en estos dos elementos y los desarrolla en escenas para ser interpretadas como piezas solistas o para varios intérpretes. 

Schnebel toma prestados de la notación clásica de la música tanto la lectura de izquierda a derecha como la anotación en sistemas uno debajo del otro, así como el eje vertical como medida para la extensión de altura y profundidad. Las acciones gestuales y los elementos acústicos los anota en la partitura mediante una notación de acción individual para cada intérprete. 

“Zeichen-Sprache» es una obra que desafía las convenciones tradicionales del teatro y la música. Se trata de un flujo de movimientos corporales que no producen sonidos articulados; el movimiento del cuerpo y el silencio son parámetros fundamentales de la composición, así como lo son los “cambios”, sean cambios de tempo o cambios en la energía del movimiento, y la utilización del espacio escénico.