GUÍA DE PROGRAMA 2024-2025


¿Cómo esbozar con convicción y al borde del silencio una inscripción rítmica que al principio es indistinguible y luego finalmente se martilla en una forma arcaica?

En las esferas... dentro del programa -la música que no es música hasta que no se escucha- presenta un propuesta escénica arriesgado al lado de tres compositores de la talla de Gérard Grisey 1946-1998, Dieter Wolfgang Schnebel (1930-2018) y Johanna Beyer (1888-1944).

La percepción del tiempo y del sonido mediante técnicas compositivas de enfoque espectral focalizadas en timbres y texturas sonoras se presenta a través de las obras de Gérard Grisey: Tempus ex Machina (1979) y Stèle (1985). Flujos de movimientos corporales que no producen sonidos articulados y la utilización del espacio escénico desafían las convenciones tradicionales del teatro y la música y es la propuesta del Poema para cuatro cabezas (1987-89) de Dieter Schnebel. Music of the Spheres es probablemente una de las primeras piezas de música electrónica escrita por una mujer. La autora podría hacer referencia a instrumentos eléctricos como el theremin, que fue presentado en febrero de 1931 en The New School for Social Research, o a las Ondas Martenot.

Las sesiones didácticas y conciertos para jóvenes 2025 de Percusiones del CSMA dirigidas a Centros educativos de titularidad pública, privada y o/concertada de Educación Infantil, Educación Primaria, Educación Secundaria y Educación Especial de la Comunidad de Aragón tendrán lugar desde el lunes 24 de marzo hasta el jueves 27 de marzo de 2025 en el Auditorio Eduardo del Pueyo del Conservatorio Superior de Música de Aragón.

EN LAS ESFERAS...

Gerad Grisey

Una de las premisas nucleares de la escuela espectralista es la presunción de que la síntesis espectral produce timbres en lugar de acordes.

—Rafael Fernández de Larrinoa

Gerard Grisey (1946- ) Belfort, Francia 

Gerard Grisey es uno de los pioneros y representantes más emblemáticos de espectralismo musical, un movimiento nacido a finales de los años 1960 que se presentó como alternativa y refutación del serialismo integral. Las premisas de este movimiento, centradas en el análisis y síntesis sonora de acuerdo con principios acústicos y psicoacústicos, se desarrolló en paralelo en dos líneas: la composición electrónica y la composición para instrumentos convencionales.

Una de las premisas fundamentales del espectralismo es su interés en el sonido como materia prima de la composición. Este interés por el sonido suele conllevar la síntesis de sonidos complejos a partir de la suma de sonidos más simples, como pueden ser los producidos por los instrumentos musicales aislados. Las herramientas más importantes desarrolladas a tal efecto son el análisis espectral de los sonidos y la síntesis basada en los resultados proporcionados por dichos análisis. El análisis espectral se realiza utilizando herramientas informáticas que permitan determinar las frecuencias e intensidades relativas de los tonos puros que conforman un sonido complejo estacionario, como es el de una nota mantenida por un instrumento musical.

Grisey demostró un enorme interés y talento por la composición y el estudio musical, publicando su primer ensayo a la edad de 9 años. Estudió en el Conservatorio de Trossingen en Alemania (1963-65), y luego en el Conservatorio de París (1965-72) donde seguirá especialmente los cursos de composición de Olivier Messiaen (1968-72).  Galardonado con el Premio de Roma, fue becario en la Villa Médicis en Roma, de 1972 à 1974, participa en la fundación del Ensemble l’Itinéraire; en 1980 será miembro residente del IRCAM, y luego será miembro invitado de la «Deutscher Akademischer Austauschdienst» en Berlín.

Gérard Grisey impartió numerosos seminarios de composición musical en Darmstadt, en Friburgo, en el IRCAM, en la Scuola Civica de Milán así como en varias universidades americanas. De 1982 a 1986, enseñó en la Universidad de Berkeley de California. Fue profesor de composición del Conservatorio Nacional de París desde 1986 hasta el 11 de noviembre de 1998, cuando murió a causa de un aneurisma.

Stèle (1995) 7´

“(…) ¿Cómo puede emerger el mito de la duración, una organización celular de un flujo que obedece a otras leyes? ¿Cómo esbozar con convicción y al borde del silencio una inscripción rítmica que al principio es indistinguible y luego finalmente se martilla en una forma arcaica? Mientras componía, me vino a la mente una imagen: la de arqueólogos descubriendo una estela y limpiándola hasta que desenterraron una inscripción funeraria (…)”

Tempus Ex Machina(1979) 22´

Estrenada en 1990, Tempus ex Machina explora la percepción del tiempo y del sonido mediante técnicas compositivas de enfoque espectral focalizadas en los timbres y las texturas sonoras. Por medio de la elección de las alturas de los instrumentos (de piel, madera y metal) y las dinámicas, el compositor crea un paisaje sonoro en el que el tiempo parece dilatarse y contraerse. Esta obra cuenta con una estructura no lineal, donde los ritmos y las sonoridades se entrelazan en un diálogo constante. Los micrófonos, utilizados para la captación y amplificación del sonido, contribuyen a la creación 

Johanna Beyer

– Enigmatic Modernist._ La historia ha ocultado a aquellas compositoras que desafiaron el status quo y se posicionaron en la vanguardia.

Johanna Beyer (1988-1944) Leipzig-Alemania

Johanna Beyer estudió en el Mannes College de Música de EEUU, graduándose en 1928. Beyer se relacionaría con numerosos compositores norteamericanos, como John Cage o Henry Cowell convirtiéndose en su secretaria personal de facto desde 1936 a 1941. En 1940 Johanna Beyer abandonó la composición y su colaboración y relación con Cowell al padecer una  esclerosis lateral amiotrófica, muriendo en Nueva York  en 1944.

La obra musical de Johanna Beyer fue ignorada en vida y fue de hecho más conocida como intérprete que como compositora. Beyer especialmente destaca por sus obras para grupo de percusión que incluyen la Suite para percusión de (1933), Marcha para treinta instrumentos de percusión (1939) o sus populares 3 movimientos para percusión (1939).

Muisc of spheres (1938) 7´

Music of the Spheres se presenta en un manuscrito original con dos portadas y dos subtítulos diferentes. Uno con el subtítulo de “para tres instrumentos eléctricos o de cuerda” y   otro que indica “movimiento para tres instrumentos eléctricos”. La obra originalmente fue escrita como apertura del cuarto acto de una futura composición operística llamada Status Quo, fue rechazada finalmente por el Guggenheim. Muy probablemente Music of the Spheres es una de las primeras piezas de música electrónica escrita por una mujer. En la actualidad se desconoce el significado y la referencia precisa a los que hace referencia la pieza como instrumentos eléctricos. Podría hacer referencia al instrumento eléctrico Theremin, que fue presentado en alguna ocasión en The New School for Social Research en febrero de 1931 o las Ondas Martenot, pero no podemos saberlo con exactitud.

Los movimientos de las manos de León Theremin (Theremin, 2008), tranquilos y artísticos, no son necesariamente teatrales, sin embargo producen espectacularidad por fascinación. Se produce un magnetismo que es proporcionado por la correspondencia entre el movimiento de las manos, por pequeño que sea, y las variaciones sonoras.

Dieter Wolfgang SCHNEBEL

Schnebel presentaba regularmente sus obras en colegios para complementar las clases de música y dar a los alumnos interesados una visión de la música culta contemporánea.

— Foto © Anna van Kooij

Dieter Wolfgang Schnebel (1930-2018) Lahr-Baden, Alemania

Schnebel fue un compositor, musicólogo y teólogo evangélico alemán. Cursó estudios de teología evangélica, filosofía y musicología en la Universidad de Tübingen después de estudiar en la Hochschule für Musik Freiburg (1949–1952) y de mantener un estrecho contacto con los cursos de verano de Darmstadt. 

Schnebel fue profesor de Música Experimental y Musicología en la Hochschule der Künste de Berlín desde 1976 hasta 1995. Entre sus alumnos se encontraban, entre otros, Chaya Czernowin y Michael Wertmüller. Desde 1991 fue miembro de la Academia de las Artes de Berlín y recibió el mismo año el Premio de Arte de Lahr. Desde 1996, Schnebel fue miembro de la Academia Bávara de Bellas Artes. En 1999, fue galardonado con el Premio de Música Sacra Europea. Su labor como teólogo continuó a través de predicaciones en la iglesia Johann-Sebastian-Bach en Berlín.

En los años 50, comenzó a experimentar con técnicas seriales. Su interacción con John Cage lo que realmente lo llevó a explorar nuevas posibilidades en la composición, especialmente con la voz, el texto y la escena. Como uno de los primeros representantes de la llamada vanguardia de los años sesenta y setenta, escribió también piezas expresamente concebidas para ser interpretadas por músicos aficionados y, especialmente, por escolares. Además, presentaba regularmente sus otras obras en colegios para complementar las clases de música y dar a los alumnos interesados una visión de la música culta contemporánea. Sus obras juega con el espacio y la improvisación  lo que refleja su compromiso con la educación musical y su deseo de acercar la música contemporánea a los estudiantes. 

Poema para cuatro cabezas I Zeichensprache: Poem für 4 Köpf (1987/89)

La pieza «Poema para cuatro cabezas» es una escena de la obra «Lenguaje de gestos» (1987/89), una colección de diversas escenas que Schnebel agrupa bajo el subtítulo «Música para gestos y voz». Cada una de estas escenas tiene un tema específico que puede asociarse con diferentes imágenes y sonidos. Schnebel se centra en estos dos elementos y los desarrolla en escenas para ser interpretadas como piezas solistas o para varios intérpretes. 

Schnebel toma prestados de la notación clásica de la música tanto la lectura de izquierda a derecha como la anotación en sistemas uno debajo del otro, así como el eje vertical como medida para la extensión de altura y profundidad. Las acciones gestuales y los elementos acústicos los anota en la partitura mediante una notación de acción individual para cada intérprete. 

“Zeichen-Sprache» es una obra que desafía las convenciones tradicionales del teatro y la música. Se trata de un flujo de movimientos corporales que no producen sonidos articulados; el movimiento del cuerpo y el silencio son parámetros fundamentales de la composición, así como lo son los “cambios”, sean cambios de tempo o cambios en la energía del movimiento, y la utilización del espacio escénico.

Música, gestos y voz

Las acciones gestuales y los elementos acústicos se señalan en la partitura mediante una notación de acción individual para cada intérprete.

-Lewis Carrol

LOS GESTOS DE MANOS VACIAS

En el contexto dado en torno a la reproductibilidad técnica y la Primera Guerra Mundial, en el cual tuvieron lugar las experimentaciones artísticas de las vanguardias, surge la performance como una nueva realidad significativa que impacta al oyente–espectador con su aspecto extravagante. Luego, en el ambiente artístico de mediados de siglo, se produce un renovado interés por los principios del Futurismo y el Dadaísmo, sobre todo en lo referente a lo inesperado, la simultaneidad y mezcla de disciplinas, a lo que se agrega la aparición de la música fijada en soporte, ya sea concreta o electrónica, hecho que despierta la preocupación por el cuerpo del intérprete o del artista. En Estética de lo performativo (2011), Érika Fischer Lichte describe como el «giro performativo», a la tendencia que marcó el interés por la performance en las realizaciones artístico escénicas desde los años sesenta del pasado siglo.

Las imágenes gestuales–sonoras pueden ser flexibles, tanto en lo que respecta a la resolución o la agudeza de los detalles como a la generalidad, por el principio de la denominada equivalencia motriz. La equivalencia motriz significa que las imágenes motrices de acciones singulares pueden generalizarse para abarcar diferentes versiones de la acción, permitiendo transferencias y, al mismo tiempo, preservando los esquemas cognitivos básicos a través de las variaciones (Godøy y Jensenius, 2009, p.47).

En Nostalgies (1962) de Dieter Schnebel, donde directamente no hay sonido, pareciera verse la música en los movimientos mudos de las manos del performer (Schnebel, 2020). Veamos la definición de Cadoz y Wanderley (2000): Los gestos con las manos vacías no son instrumentales, ya que solo poseen una de las tres funciones del canal gestual, la función semiótica. Lo mismo ocurre con los gestos del director de orquesta, ya que, aunque puedan consistir en una manipulación de un objeto (la batuta), no hay transferencia directa de energía entre el director y el oyente. (p.79)

Percusiones del CSMA

Conservatorio Superior de Música de Aragón

-GRUPO DE PERCUSIÓN-


Percusiones del CSMA -grupo de percusión- del Conservatorio Superior de Música de Aragón es todo un referente nacional de extraordinarios percusionistas, consolidado a través de los brillantes resultados de la Cátedra de Percusión CSMA bajo la dirección de César Peris. Ha recibido de la crítica musical especializada cinco estrellas a la excelencia en sus conciertos públicos junto a percusionistas y artistas internacionales como Mika Takehara (Japón), Nebojsa Zivkovic (Serbia), Jean Geoffroy (Francia), Simone Rubino (Alemania) o  Collin Currie (Inglaterra). Percusiones del CSMA ha recibido los premios FIP 2015 -grupo revelación- y Re-percusión 2012.

Desde 2005 produce su propio  ciclo de conciertos y sesiones para jóvenes La música que no es música hasta que no se escucha-, por donde ya han pasado más de 110.000 jóvenes aragoneses. Un proyecto de renovación educativa que se realiza a través de sesiones pedagógicas y conciertos dirigidos a Centros educativos de titularidad pública, privada y/o concertada de Educación Secundaria, Primaria, Infantil y Educación Especial de la comunidad de Aragón, en el marco de un espacio artístico transdisciplinar con el objetivo de facilitar la experiencia musical.

La autenticidad inconfundible de los conciertos de Percusiones del CSMA y la pasión y el poder innovador de todos sus artistas no deja nunca de sorprendernos

VIDEO INTERVENCIÓN: YAGO DE MATEO: NARRADOR: CHARLY TAYLOR I  INGENIERÍA DE SONIDO E ILUMINACIÓN I SÉPTIMO CIELO I 

Percusiones del CSMA 2025

David Blanco Pérez, Laia Blay Herranz, Sandra Blasco Mayoral, Cecilia Sánchez  Sánchez, Victor Sapiña Lasobras, Antía Pérez Sotelo, Sara Cobos Moustahcine, Elies Castillo Clemente, Francisco Moreno Saenz, Marc Mató Esteve, Joan Manzano Benavent Carmen Bravo Rodriguez

PROFESORES TITULARES  Hector Marqués Marqués I Lucía Carro Veiga I Ignasi Domenech, Juanjo Llopico I César Peris Escrig PROFESORES INVITADOS 24/25 Benjamin Schäfer (Luxembourg Philarmoniker) , Nick Woud (Concergebouw Orchestra-Holand) Javier Azanza, Nicolas Martynciow, Eric Sammut (Orquesta Nacional de Paris), Eva Català (latin &drums)

SESIONES Y CONCIERTOS

PERCUSIONES DEL CSMALA MÚSICA QUE NO ES MÚSICA HASTA QUE NO SE ESCUCHA

CONSERVATORIO SUPERIOR DE MÚSICA DE ARAGÓN

MÚSICA AVANZADA PARA JÓVENES

UN ESPACIO MÁGICO E INTEGRADOR CARGADO DE MOMENTOS LÚDICOS IRREPETIBLES Y ARRIESGADOS

— Heraldo de Aragón

La música que no es música hasta que no se escucha

Canal YouTube I Live Streaming

Las obras, conciertos y programas Percusiones del CSMA "La música que no es música hasta que no se escucha" se presentan en el canal YouTube Percusiones del CSMA.