Gabriela Ortiz (n. 1964) proviene de una familia de músicos vinculada al movimiento de nueva canción mexicana: sus padres formaban parte del grupo Los Folkloristas, lo que marca su sensibilidad hacia la música tradicional y popular desde temprana edad.

Realizó su formación en el Conservatorio Nacional de Música de su ciudad natal con Mario Lavista y en la Guildhall School of Music and Drama de Londres, doctorándose en composición en la Universidad de Londres. Actualmente es compositora en residencia en el Carnegie Hall y la Orquesta Sinfónica de Castilla y León, y trabaja como profesora en la Facultad de Música de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM).

El cuarteto de percusión “Liquid Borders” es una reflexión sonora sobre las consecuencias humanas e históricas de las fronteras: muros y divisiones territoriales que imponen límites a la libertad y afectan a la vida cotidiana de las personas. A lo largo de sus tres movimientos (“Ciudad Líquida”, “Desierto Líquido” y “Selva Líquida”) la composición explora distintos ámbitos geográficos y culturales de México, desde la división entre el campo y la ciudad hasta las fronteras naturales y la relación, a veces dolorosa, entre México, Centroamérica y Estados Unidos. Musicalmente, Gabriela Ortiz combina influencias del jazz con elementos de la música tradicional mexicana. Cada movimiento se caracteriza por colores instrumentales y  paisajes sonoros propios que abarcan desde ritmos urbanos frenéticos hasta atmósferas que evocan el desierto norteño o la selva sureña.

Formado en el Centro de Investigación y Estudios de la Música en México (CIEM). En el año 2002 se traslada a Holanda para continuar sus estudios, obteniendo la Licenciatura y Maestría “con honores” en Sonología y Composición por el Real conservatorio de la Haya y el Instituto de Sonología respectivamente. En el año 2011 obtiene el grado de Doctor en Composición por el “Centre for Contemporary Music Practice”, de la “Universidad Brunel” en Londres, Inglaterra.

Su trabajo ha sido premiado por diversas instituciones y festivales tales como: “Consejo de la Musica en Mexico” 2003, “Internacional Gaudeamus Music Week” 2008, “Internacional Jurgenson Competition” 2007, “SPNM Shortlist” 2008-11 y “Foro de Musica Nueva” 2010, “NUFFIC” 2008-09, “Prins Bernhard Cultuurfonds” 2010-11 , “FONCA” 2007-10 y “Fonds Podiumkunsten” 2009-.

Como compositor así como ejecutante su música ha sido interpretada en países como Grecia, Rusia, Holanda, Inglaterra, Suiza, Suecia, Egipto, España, Canadá, México, Dinamarca, Estados Unidos, Francia, Polonia, Taiwán, Corea y Alemania; a su vez siendo ejecutada por ensambles como El cuarteto Arditti, El Ensamble Intercontemporain, El Cuarteto Latinoamericano, Ensemble Klang, Ensemble MAE,  y Modelo62 entre otros. Actualmente se encuentra radicando en los Piases Bajos como compositor independiente.

Topspin es una creación del compositor mexicano Hugo Morales Murguía, reconocido por su enfoque experimental. En esta pieza, los percusionistas utilizan instrumentos no convencionales –¡incluso objetos cotidianos!– para crear sonidos sorprendentes. Por ejemplo, el compositor llega a incorporar raquetas eléctricas mata-insectos junto con platillos y sistemas de amplificación para lograr efectos sonoros únicos. El resultado es un paisaje sonoro innovador que muestra cómo la percusión puede ir más allá de los tambores tradicionales. Los jóvenes espectadores podrán ver cómo cualquier objeto puede convertirse en instrumento musical, estimulando su imaginación y abriendo sus oídos a nuevos timbres y texturas.

Cruz de Castro realiza estudios de composición con Gerardo Gombáu, Francisco Calés, Milko Kelemen en la Hochschule Robert Schumann Institut de Düsserldorf y orientación con Günther Becker y Antonio Janigro. Representa a España en la VII Bienal de París y en 1973,  funda y coordina con la pianista y compositora mexicana Alicia Urreta el Festival Hispano Mexicano de Música Contemporánea y representa a Radio Nacional de España 1975 en el Premio Italia y en la Tribuna Internacional de Compositores de la UNESCO (París 1979).

Académico Correspondiente de la Real Academia Canaria de Bellas Artes de San Miguel Arcángel, «Premio de Música 1977» «Premio de Cultura de la Comunidad de Madrid 2002», “Premio Daniel Montorio de Artes Escénicas”  es Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes 2010 concedido por el Ministerio de Cultura y miembro de Honor de la Academia de la Música Valenciana. 

Carlos Cruz de Castro se inspiró en la cultura prehispánica de México para componer su Sexteto Nº3 “Huéhuetl” (1995), que forma parte de una serie llamada Tlamanaliztli (palabra náhuatl que significa “ofrenda”). Huéhuetl es un término náhuatl que literalmente significa “tambor de membrana”, en referencia al tambor sagrado azteca usado en ceremonias antiguas. 

En esta obra para seis percusionistas, Cruz de Castro evoca los sonidos ancestrales de México: se emplean una gran variedad de instrumentos de parche o membrana (tambores de distintos tipos), que hacen referencia a los tambores ceremoniales como el huehuetl y el teponaztli que resonaban en rituales dedicados a los dioses. A través de ritmos solemnes y energéticos, la pieza viaja siglos atrás, mostrando cómo un compositor español rinde homenaje y fusiona su propio lenguaje musical con la tradición mexicana.

Luis Tabuenca es un compositor y percusionista nacido en Zaragoza, y alumno de percusión egresado destacado CSMA 2006 del Conservatorio Superior de Música de Aragón. Estudió también en Barcelona (ESMUC y UB), Ámsterdam (CvA) y San Diego (UCSD), donde tuvo como mentores a Steven Schick, Lissa Meridan, Philippe Manoury y Mark Dresser, entre otros. Tabuenca también ha enriquecido su formación asistiendo a clases magistrales y talleres con notables compositores e intérpretes como Rebecca Saunders, Carola Bauckholt, Christian Dierstein, Tristan Murail, Miquel Bernat y Alexander Schubert.

Hoy en día, se trata de una figura destacada en nuestro país en términos de composición, creación e improvisación, habiendo recibido recientemente la Beca Leonardo de Fundación BBVA. En Críptica II, escrita en 2023 para Les Percussions de Strasbourg, Tabuenca se inspira en el concepto de la “cripsis”, una estrategia de camuflaje que usan algunos insectos para pasar inadvertidos frente a sus depredadores.

Críptica II (2023) fue escrita originalmente para Esculturas Baschet, instrumentos únicos que reflejan el interés escultórico-poético del compositor. En su versión para ensemble, la partitura cuenta con instrumentación abierta, que propone un acercamiento creativo y flexible al intérprete, que ha de tomar sus propias decisiones en cuanto a la instrumentación. Críptica II está llena de momentos rítmicos, gestos energéticos memorables, y un universo sonoro único,

Gerard Grisey es uno de los pioneros y representantes más emblemáticos de espectralismo musical, un movimiento nacido a finales de los años 1960 que se presentó como alternativa y refutación del serialismo integral. Las premisas de este movimiento, centradas en el análisis y síntesis sonora de acuerdo con principios acústicos y psicoacústicos, se desarrolló en paralelo en dos líneas: la composición electrónica y la composición para instrumentos convencionales.

Una de las premisas fundamentales del espectralismo es su interés en el sonido como materia prima de la composición. Este interés por el sonido suele conllevar la síntesis de sonidos complejos a partir de la suma de sonidos más simples, como pueden ser los producidos por los instrumentos musicales aislados. Las herramientas más importantes desarrolladas a tal efecto son el análisis espectral de los sonidos y la síntesis basada en los resultados proporcionados por dichos análisis. El análisis espectral se realiza utilizando herramientas informáticas que permitan determinar las frecuencias e intensidades relativas de los tonos puros que conforman un sonido complejo estacionario, como es el de una nota mantenida por un instrumento musical.

Grisey demostró un enorme interés y talento por la composición y el estudio musical, publicando su primer ensayo a la edad de 9 años. Estudió en el Conservatorio de Trossingen en Alemania (1963-65), y luego en el Conservatorio de París (1965-72) donde seguirá especialmente los cursos de composición de Olivier Messiaen (1968-72).  Galardonado con el Premio de Roma, fue becario en la Villa Médicis en Roma, de 1972 à 1974, participa en la fundación del Ensemble l’Itinéraire; en 1980 será miembro residente del IRCAM, y luego será miembro invitado de la «Deutscher Akademischer Austauschdienst» en Berlín.

Gérard Grisey impartió numerosos seminarios de composición musical en Darmstadt, en Friburgo, en el IRCAM, en la Scuola Civica de Milán así como en varias universidades americanas. De 1982 a 1986, enseñó en la Universidad de Berkeley de California. Fue profesor de composición del Conservatorio Nacional de París desde 1986 hasta el 11 de noviembre de 1998, cuando murió a causa de un aneurisma.

“(…) ¿Cómo puede emerger el mito de la duración, una organización celular de un flujo que obedece a otras leyes? ¿Cómo esbozar con convicción y al borde del silencio una inscripción rítmica que al principio es indistinguible y luego finalmente se martilla en una forma arcaica? Mientras componía, me vino a la mente una imagen: la de arqueólogos descubriendo una estela y limpiándola hasta que desenterraron una inscripción funeraria (…)”

Estrenada en 1990, Tempus ex Machina explora la percepción del tiempo y del sonido mediante técnicas compositivas de enfoque espectral focalizadas en los timbres y las texturas sonoras. Por medio de la elección de las alturas de los instrumentos (de piel, madera y metal) y las dinámicas, el compositor crea un paisaje sonoro en el que el tiempo parece dilatarse y contraerse. Esta obra cuenta con una estructura no lineal, donde los ritmos y las sonoridades se entrelazan en un diálogo constante. Los micrófonos, utilizados para la captación y amplificación del sonido, contribuyen a la creación 

Johanna Beyer estudió en el Mannes College de Música de EEUU, graduándose en 1928. Beyer se relacionaría con numerosos compositores norteamericanos, como John Cage o Henry Cowell convirtiéndose en su secretaria personal de facto desde 1936 a 1941. En 1940 Johanna Beyer abandonó la composición y su colaboración y relación con Cowell al padecer una  esclerosis lateral amiotrófica, muriendo en Nueva York  en 1944.

La obra musical de Johanna Beyer fue ignorada en vida y fue de hecho más conocida como intérprete que como compositora. Beyer especialmente destaca por sus obras para grupo de percusión que incluyen la Suite para percusión de (1933), Marcha para treinta instrumentos de percusión (1939) o sus populares 3 movimientos para percusión (1939).

Music of the Spheres se presenta en un manuscrito original con dos portadas y dos subtítulos diferentes. Uno con el subtítulo de “para tres instrumentos eléctricos o de cuerda” y   otro que indica “movimiento para tres instrumentos eléctricos”. La obra originalmente fue escrita como apertura del cuarto acto de una futura composición operística llamada Status Quo, fue rechazada finalmente por el Guggenheim. Muy probablemente Music of the Spheres es una de las primeras piezas de música electrónica escrita por una mujer. En la actualidad se desconoce el significado y la referencia precisa a los que hace referencia la pieza como instrumentos eléctricos. Podría hacer referencia al instrumento eléctrico Theremin, que fue presentado en alguna ocasión en The New School for Social Research en febrero de 1931 o las Ondas Martenot, pero no podemos saberlo con exactitud.

Los movimientos de las manos de León Theremin (Theremin, 2008), tranquilos y artísticos, no son necesariamente teatrales, sin embargo producen espectacularidad por fascinación. Se produce un magnetismo que es proporcionado por la correspondencia entre el movimiento de las manos, por pequeño que sea, y las variaciones sonoras.

Schnebel fue un compositor, musicólogo y teólogo evangélico alemán. Cursó estudios de teología evangélica, filosofía y musicología en la Universidad de Tübingen después de estudiar en la Hochschule für Musik Freiburg (1949–1952) y de mantener un estrecho contacto con los cursos de verano de Darmstadt. 

Schnebel fue profesor de Música Experimental y Musicología en la Hochschule der Künste de Berlín desde 1976 hasta 1995. Entre sus alumnos se encontraban, entre otros, Chaya Czernowin y Michael Wertmüller. Desde 1991 fue miembro de la Academia de las Artes de Berlín y recibió el mismo año el Premio de Arte de Lahr. Desde 1996, Schnebel fue miembro de la Academia Bávara de Bellas Artes. En 1999, fue galardonado con el Premio de Música Sacra Europea. Su labor como teólogo continuó a través de predicaciones en la iglesia Johann-Sebastian-Bach en Berlín.

En los años 50, comenzó a experimentar con técnicas seriales. Su interacción con John Cage lo que realmente lo llevó a explorar nuevas posibilidades en la composición, especialmente con la voz, el texto y la escena. Como uno de los primeros representantes de la llamada vanguardia de los años sesenta y setenta, escribió también piezas expresamente concebidas para ser interpretadas por músicos aficionados y, especialmente, por escolares. Además, presentaba regularmente sus otras obras en colegios para complementar las clases de música y dar a los alumnos interesados una visión de la música culta contemporánea. Sus obras juega con el espacio y la improvisación  lo que refleja su compromiso con la educación musical y su deseo de acercar la música contemporánea a los estudiantes. 

La pieza «Poema para cuatro cabezas» es una escena de la obra «Lenguaje de gestos» (1987/89), una colección de diversas escenas que Schnebel agrupa bajo el subtítulo «Música para gestos y voz». Cada una de estas escenas tiene un tema específico que puede asociarse con diferentes imágenes y sonidos. Schnebel se centra en estos dos elementos y los desarrolla en escenas para ser interpretadas como piezas solistas o para varios intérpretes. 

Schnebel toma prestados de la notación clásica de la música tanto la lectura de izquierda a derecha como la anotación en sistemas uno debajo del otro, así como el eje vertical como medida para la extensión de altura y profundidad. Las acciones gestuales y los elementos acústicos los anota en la partitura mediante una notación de acción individual para cada intérprete. 

“Zeichen-Sprache» es una obra que desafía las convenciones tradicionales del teatro y la música. Se trata de un flujo de movimientos corporales que no producen sonidos articulados; el movimiento del cuerpo y el silencio son parámetros fundamentales de la composición, así como lo son los “cambios”, sean cambios de tempo o cambios en la energía del movimiento, y la utilización del espacio escénico.